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December 27, 2013

Lo mejor del arte en Lima - 2013

2013 wasn’t precisely a good year for me, sure, during the first months there were many promising things going on and then, like in a drought, it all vanished. 


Luckily, I can gladly say that I had the chance to contribute with my comics and have them published at least on 3 occasions: Sci-Fi/Horror (OGN), Erotica (one-shot), and Ghost Stories. 


I also wish that I had completed Un-American Chronicles, my own comic, before the end of the year, but turns out you will have to wait a couple of months before reading it. I’m very impatient to finally hold it in my hands, it will be the first comic I’ve done that has my name on the cover. Isn’t that just fantastic?


Anyway, I’m sure 2014 will be a much a better year. At least, you’ll get to read my stories in the "You Are Not Alone" trade paperback, in "Cities" and probably in some other title.


As you all know, besides comic books I also talk about art here. Contemporary art.  Peruvian contemporary art. You may not be familiar with the following names but, I promise you, they are really good.


Anyway, here’s the list of the best Peruvian artists of 2013:


Best artist
Hugo Salazar 


Best solo exhibit
Renzo Núñez Melgar Vega (REVE)


Best collective exhibit
74th annual exhibit of the arts faculty - PUCP 



Best new talent
Tomás Prochazka Núñez 


Best artistic proposal
Iosu Aramburu (“Todo lo sólido”) 


Best retrospective: Picasso, el eterno femenino - PUCP


Best international art exhibit: Somos Libres – MATE 


* In MATE we had the works of very famous European artists such as Henry Bourne, Thomas Ruff, Dan Colen, Keith Haring, Sarah Lucas, Douglas Gordon, Steven Shearer, Anselm Reyle, Thomas Houseago, George Condo, Lucy Birkhead, Rachel Feinstein (my favorite) and Waled Beshty, and more.


In my next post you’ll find out which were the finest authors and best comic books of 2013. Yes, it’s the third edition of the famous and prestigious AAA (Arion's Achievement Awards). It usually takes me a long time to complete this list, and this year it has been particularly difficult because there were a lot more comics than last year. 

Once the AAA is done, I can categorically affirm that the year is officially over.


Stay tuned, my friends. 


And don’t forget to leave as many comments as you want.

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Tomás Prochazka Núñez

El año empezó lleno de ilusiones y buenos augurios, pero luego de una rápida evaluación puedo constatar que mucho de lo que planifiqué simplemente quedó en el aire. No obstante, me enorgullece haber  publicado cómics en tres ocasiones (ya sea como escritor o dibujante) durante el 2013: Sci Fi/Horror (novela gráfica), Erotica (one-shot), y Ghost Stories.

El 2014 empieza más que nada con incertidumbre. Sobre todo luego de decirle adiós al Grupo Editorial COSAS. Trabajar en la revistas COSAS sin duda ha sido una experiencia sumamente enriquecedora; realmente llegué a encariñarme con la gente de la oficina y, de hecho, me alegra mucho seguir encontrándome con ellos en inauguraciones, cocteles y eventos similares. 

No obstante, al margen de aquello que funcionó o dejó de funcionar, este año mi pasión por el arte me llevó a innumerables muestras y creo que es justo, y hasta necesario, establecer en líneas generales un balance de lo mejor del arte en Lima.
Hugo Salazar

Mejor artista
Hugo Salazar 

Mejor muestra individual
Renzo Núñez Melgar Vega (REVE)

Mejor muestra colectiva
74º exposición anual de la facultad de arte de la PUCP 

Mejor nuevo talento
Tomás Prochazka Núñez 

Mejor propuesta artística
Iosu Aramburu (“Todo lo sólido”) 

Mejor retrospectiva
Picasso, El eterno femenino - PUCP

Mejor muestra de arte internacional
Somos Libres - MATE

En el 2011 vi por primera vez la extraordinaria obra de Hugo Salazar y quedé deslumbrado. En esta ocasión el ICPNA de Miraflores presentó “ExcluidoS al azar”, muestra que confirma el enorme talento de Hugo Salazar, sin lugar a dudas, el mejor artista del 2013.

El premio a la mejor muestra individual va para “Un día en la vida” (Galería Enlace), de Renzo Núñez Melgar Vega, más conocido como REVE. Durante un año visité a REVE en su taller barranquino y documenté fotográficamente su proceso creativo; y luego de tanto tiempo me encantó ver los impresionantes cuadros, ya terminados, en la sala de la galería.


Asistí a muchas colectivas pero la más impresionante fue la 74º exposición anual de la facultad de arte de la PUCP. Debo resaltar los trabajos de Aldo Romero Scattolon, Alejandra Gálvez, Mayra Chipana y Renzo Bazán Marroquín.

El año pasado comenté lo mucho que me había fascinado la obra de Tomás Prochazka Núñez. En ese momento afirmé que el joven artista nos sorprendería gratamente en el futuro, y por suerte, no tuvimos que esperar mucho para que así fuese. En el 2013, Tomás compartió con nosotros sus más originales y alucinantes pinturas en espacios como el Bisetti de Barranco y su propia alma máter, Corriente Alterna. 

Iosu Aramburu plantea una propuesta interesante y profunda en “Todo lo sólido” (Galería 80M2). Es importante reconocer que una obra adquiere mayor validez siempre y cuando se fundamente en una propuesta óptima. Duchamp lo sabía, y cada vez más los artistas de nuestro medio entienden que es necesario acompañar la acción de pintar con la de pensar.

Poder visitar una retrospectiva de Picasso es, sin duda, un auténtico lujo. “El eterno femenino” presenta 67 obras del inmortal artista español. La muestra abarca diversas décadas de su producción (años 30, 40, 50 y 60) así como diversos estilos e influencias (clasicismo, renacimiento, cubismo, etc.) y variadas técnicas y soportes (litografía, aguada, gouache, etc.). Visité el CCPUCP en un buen momento, y de hecho tuve la sala de exposiciones para mí solo así que pude pasearme con calma y admirar cada una de las obras en exhibición. Realmente ha sido una maravilla, no solamente es la muestra más imprescindible del año sino también una de las más importantes que ha habido en Lima en la última década. “El eterno femenino” permanecerá en nuestro país hasta el 26 de enero. 

“Somos Libres” es un lúcido testimonio de Mario Testino sobre el arte contemporáneo. MATE (Asociación Mario Testino) ha convocado a importantísimos artistas europeos y el resultado es una muestra imperdible que estará abierta al público limeño hasta el 6 de abril del 2014. En esta colectiva participan Henry Bourne, Thomas Ruff, Miguel Andrade Valdez, Dan Colen, Keith Haring, Sarah Lucas, Douglas Gordon, Steven Shearer, Anselm Reyle, Thomas Houseago, George Condo, Lucy Birkhead, Rachel Feinstein (mi favorita) y Waled Beshty, entre otros.

October 12, 2013

Rabioso: Director’s Cut - Alejandro Hernández


In 2010 I was lucky enough to participate in the historical first issue of “The Gathering”. I wrote a two page story. I was in charge of penciling, inking and lettering it. I did it all. I can’t say I’m completely satisfied with the result, it looks a bit substandard now, but at the moment it was the best I could do with the tight deadlines and all that.

Alejandro Hernández

As you can see, this is my handwriting, and that also includes the title design (“Stains Over Dirty Snow”). I used a lot of shadows and black areas to avoid backgrounds; that was by far the easiest solution at the moment. I couldn’t get the face of the nurse right so I covered that with a caption. I don’t know why, but it took me a couple of years to learn to draw women and even to this day I still feel my women don’t look as good as they should.


I still managed to include my usual signature, an A mixed with a C, something that is present in every single page I’ve drawn in the past 3 or 4 years. It’s a little detail, always hidden somewhere, but always easy to identify. This little symbol has been inspired by John Cassaday’s signature (in his case a J with a C), and I always have fun trying to hide it in some of my panels. So far, no one has ever discovered where I place my signatures, and that means that most readers don’t pay enough attention or don’t have a good memory. Either way, in this and future pages of my work I’ll let reveal this and other little mysteries. Enjoy!


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my drawing / mi dibujo

Ayer jueves se inauguró “Rabioso: Director’s Cut” de Alejandro Hernández (Paranga) en la sala de Dédalo. Debo admitir que en realidad no conocía al artista, pero fue Hugo Alegre quien me animó a darme una vuelta por este espacio barranquino que tanto significa para mí y al que tantas veces he visitado en los últimos diez años.

Llegué y quedé admirado por la coherencia de la propuesta y por los cuadros extraordinarios que nos remiten no sólo a artistas peruanos como Tola sino a muchos otros de talla internacional. Entre mis obras favoritas está la secuencia de cuadros que muestra la transformación de un ‘paciente cero’, en un inicio es el propio artista quien se retrata de manera ‘normal’ y luego va mutando en los cuadros siguientes hasta convertirse en un monstruo similar al que veríamos en una película de terror. Como comentaba con Pedro Casusol, esta ha sido una de las mejores muestras que hemos visto en Dédalo en los últimos meses.


Además de conversar con Hugo y Carmen Alegre, también saludé a María Elena Fernández, Eduardo Lores, Gabriel Lores, Sebastián Lores y Mariana Lores. Me quedé conversando con Isabelle Decencière  y Mónica Cuba, quienes presentarán una muestra también en Dédalo el año que viene. También me encontré con Renzo Farje, amigo de la facultad de literatura de la PUCP, y conocí a Jorge Vargas Prado, ambos habían hecho una escala en Dédalo de camino a un recital de poesía. Aunque quise acompañarlos, pudo más mi pasión por los riquísimos chilcanos de pisco Larroca. Pero no me quedé solo, porque al rato llegó Hugo Salazar y nos quedamos hablando hasta pasadas las diez de la noche. 


Este viernes el punto de encuentro fue en el Centro Colich. Se inauguró la muestra Hanan Pacha de Mili DC Hartinger. Los paisajes adquieren un enorme valor estético gracias a la mirada extraordinaria de quien está detrás de la cámara. En el transcurso de la noche conversé sobre todo con José Medina, y me encontró con muchos otros amigos. 






November 10, 2012

Materia oscura - Pablo Patrucco (Galería Enlace)


Random quotes
lunch at home / almuerzo en casa

Eager to fulfill properly my promise here I am again, writing in the most enthusiastic way that I can possibly conceive today. Iris Murdoch wrote once “Love is the general name of the quality of attachment and it is capable of infinite degradation and it is the source of our greatest errors”. 


And I think that above all kind of erroneous conceptions love and desire, at least in psychoanalytic terms, are not always equivalent. I would like to start thinking again in a more optimistic way. 

John Donne said “Nobody is an island, no man is complete within himself; each person is a portion of the continent, a part of the Earth; if the ocean takes away but one part of the land, all Europe gets diminished, as if it were a promontory, or the house of one of your friends, or your own house; the death of any man diminishes me for I am attached to the Humanity; and therefore never ask for whom the bell tolls, it tolls for you”. 

And as Shakespeare would affirm “O how this spring of love resembleth the uncertain glory of an April day; which now shows all the beauty of the sun and by, and by a cloud takes all away”.

In Hamlet the British author wrote: “Oh God, I could be bounded in a nutshell and still count myself as a king of infinite space”. A person’s mind can be a world within itself. And sometimes it is very hard to know what is the right thing to do. All the important things are complex by nature, and that makes it especially difficult for people to choose the right way.


And finally, you must visit my favorite blog of the month:

www.readinggraphicnovels.blogspot.com

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Pablo Patrucco

Ayer viernes aproveché que estaba en San Isidro por cuestiones coyunturales, para darme una vuelta por la Galería Enlace. Se inauguraba la muestra “Materia oscura” del genial artista Pablo Patrucco. Ya sea en muestras colectivas en la misma galería o en la casona barranquina de 80M2, ya había tenido oportunidad de ver trabajos suyos y siempre me habían fascinado. 

Hay una belleza real en su obra, el tipo de belleza que podemos encontrar en eventos cotidianos, en el día a día, en momentos mundanos. Sin embargo, lejos de mostrarnos algo “común”, la fuerza de los cuadros de Patrucco consiste en hurgar de manera mucho más honda y profunda, hasta llegar a la raíz misma de ese algo indefinible que llamamos mestizaje o peruanidad. 
Pablo Patrucco

Como un voyeur, Pablo captura imágenes de personas al azar, en una playa, en una calle, y elimina todo los fondos, todo referente geográfico y se queda solamente con la figura. Se trata de hombres y mujeres, niños y niñas que no saben que están siendo mirados, y sin embargo el retrato que hace el artista sobre ellos es tan fidedigno, rico y cautivante que nosotros, o bien nos sentimos identificados con ellos, o bien nos imaginamos en las situaciones y en los escenarios de los que han sido despojados. 

Con más de doscientos cuadros, la obra de Pablo capta con ojo agudo y sobre todo una lúcida mirada crítica a los habitantes de la Lima de hoy, una ciudad sobrepoblada, casi al borde del colapso, con millones de rostros anónimos a los que rara vez prestamos atención. Aquí, sin embargo, somos testigos de un crisol que absorbe todas las razas y todos los niveles socioeconómicos, y gracias al estilo fotográfico e hiperrealista de los dibujos a lápiz y carboncillo de Pablo, no necesitamos soñar con esa noción abstracta que es la Lima de hoy, basta con admirarla, sobresaltados o compungidos, en los 200 cuadros que Pablo ha elaborado en el transcurso de cuatro años. Sin duda, se trata de una de las más fascinantes muestras que he visto en el 2012, y si tuviera que elegir una sola, elegiría “Materia oscura” como la mejor del año.
mi dibujo a lápiz más color digital

En el transcurso de la noche me encontré con Renzo Núñez Melgar Vega, con quien comenté los últimos acontecimientos de The Walking Dead, también me encontré con Hugo Salazar, quien me comentó que por fin había leído el texto que escribí sobre su muestra hace ya un año. Me agradeció por haberle dedicado un espacio en mi blog y me dijo que le había gustado lo que había escrito, y sus palabras me hicieron recordar que a pesar de que esta página es más que nada sobre cómics, el arte contemporáneo peruano nunca debe faltar, porque este es el medio en el que nos desenvolvemos. 

Por supuesto, felicité a Pablo Patrucco por tan extraordinaria exposición. Y me quedé hablando un rato con Didi Arteta y Roberto Ascóniga, director de Enlace. En el transcurso de la noche también me encontré con Rhony Alhalel, Ilse Rehder, Isabelle Decencière  Carmen Alegre; y me quedé conversando un buen rato con mi gran amigo Rafael Velázquez y también con Noah Alhalel, ambos reirrojinos como yo. El lunes regreso a Enlace para ver la muestra con más calma. Hay tantos detalles en cada uno de estos cuadros que podría quedarme horas contemplándolos. Una maravilla.

Los dejo con dos de los doscientos cuadros de Pablo Patrucco, un dibujito mío sobre un fulano que juega golf mientras el cadáver de un perro lo acosa, y las infaltables fotos del último almuerzo en mi casa. En esta ocasión los afortunados fueron María Fe Celi y Juan Carlos Gibson, amigos de toda la vida; esta vez decidí cocinar una entrada y un plato de fondo que se pueden hacer a la parrilla (cebolla rellena, lomo marinado en cáscara de naranja y croquetas de camote), además, Juan Carlos tuvo la amabilidad de traer una botella de Cabernet Sauvignon y María Fe a su vez trajo un exquisito postre de Dolce Capriccio. Todo un banquete.  

October 19, 2012

Carlos Bardales - La morada del Rayo y el Amaru (Galería Enlace)


The Living End (1992)
Directed by Gregg Araki

Gregg Araki is a brilliant director that finds in subversive and polemic subjects a complexity and richness that would pass unnoticed for other filmmakers.

"The Living End" is a story that deals with death. However, unlike most movies Araki has found a balance between Freudian Eros and Thanatos. The life drive and the death drive are equally as important for Jon and Luke, the protagonists. They alternately assume different roles regarding impeding death. For Jon, at first, is denial when he confronts the fact that he has AIDS. He trusts in his doctor's words when is told that this diagnosis does not equal a death sentence. Not just yet anyway. Luke, on the other hand, has a clear self-destructive tendency; he seems to be wandering off amidst repellent streets and dangerous highways, with no goals and no real desire.

They meet. They have sex. But here sex is devoid of the Freudian libido. Sex at first may be a consequence of the life drive but ultimately it's but an act of despair, it's the result of an undeniable lack of hope. And what is hope in the end? Is it an abstract concept or rather the force that prevent us from languishing in a situation in which our success is never guaranteed? I'd venture to say that hope comes down to one element: creation. And it's clear for the viewers that Jon and Luke will never be able to create a life together, their existence has already been forfeit.

"Afterlife is just this pathetic notion people cling to in order to avoid confronting their own mortality" explains Jon to Luke. And according to Slavoj Zizek he is absolutely right. In "The Seven Veils of Fantasy" Zizek explains that fantasy gives structure to reality. Fantasy is what allows people to confide in the symbolic order, fantasy is also more powerful than people might expect. Fantasy is the imaginary support upon which we build everything: we don't see human bodies we only see bodies through a certain fantasy; in fact, certain neurosis consist in seeing the body as it is (a disgusting cumulus of fluids, excrement, viscera and blood), and as a result there is a complete rejection of the other, or the constantly paranoid fear that contact with others will bring forth contamination or filthiness. Fantasy also structures desire ("what am I in the eyes of the other?"). Is Luke this rude, gay-macho version of Clint Eastwood or is this irresponsible, childish guy that makes Jon laugh with his nonsense? Is Jon this well-behaved gay, a productive member of society, or is he an absolute desperate person (willing to embark upon a nearly suicidal road trip with his newly found lover) that seeks out an indefinable truth that will give meaning to his remaining days? Fantasy also allows people to understand abstract concepts. What is a nation, for example? Benedict Anderson defines nations as "imagined communities", id est, arbitrary creations upon which people agree on.
Hugo Salazar
Nevertheless, the most important conception of fantasy here is that which veils and hides the real. Fantasy secludes oneself from the awful truth. Fantasy nurtures mythological and theological narratives that deal with something that has frightened people since the dawn of time: death. Sometimes, fantasies that veil the horror of death are as clumsy as the nice and tidy instructions and warnings one receives in every flight concerning the possibility of an "accident" (one has but to wonder what use a fastened security belt has when most airplane crushes end up turning people into a pulp, scattered tissue, that prevents even dental records to be obtained from the wreckage), but also as influencing and historically relevant as the heaven versus hell narrative that church still proclaims to this day.

What is "The Living End"? It is a glance of what happens once we withdraw from fantasy. Araki's film shows us what happens when death is no longer an abstract concern but a certainty. It demonstrates that a once life-driven Jon can lose all hope thanks to a medical diagnosis and thus embrace a death drive; it demonstrates that for all his bravado, Luke might not be the overtly self-destructive, death-seeking guy we saw in the first scenes. Life drive turns into death drive and vice versa (the extraordinary last scene condenses a powerful eroticism in contrast with an incontestable death wish). But one thing is clear: The veil has been removed and death no longer hides from mortal eyes. It's there, looking Jon and Luke right in the face. And they are looking back with a very fearless and subversive expression. 

http://www.imdb.com/title/tt0104745/reviews
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Carlos Bardales

El miércoles en la noche se inauguró la muestra “La morada del Rayo y el Amaru” de Carlos Bardales en la Galería Enlace. Hacía meses que no me asomaba a esta galería ubicada en Pardo y Aliaga; el año pasado creo que iba una vez al mes y este año simplemente dejé de ir. Fue un descuido de mi parte, sin duda, porque había olvidado lo animadas que podían ser las noches sanisidrinas (¿quién dijo que las barranquinas eran las únicas buenas?). 

Con influencias de la escuela cusqueña y el arte colonial, pero sobre todo con una interesante asimilación de corrientes contemporáneas, el arte de Bardales fluye ante nuestros ojos con un atractivo único y sugerente. Al trabajar con pan de oro o láminas de plata, estos cuadros de gran formato son como inmensas joyas que transmiten un mensaje estético a medio camino entre el clasicismo y el postmodernismo. Ciertamente, quedé encantado con la muestra.

En el transcurso de la noche me encontré con varios amigos como Miguel Samamé, José Medina y Carmen Alegre; conversé un rato con Paolo Vigo y me disculpé por no haber ido a su muestra reciente en Sala 58. También hablé brevemente con el gran Roberto Cores, con Julio Garay y con Hugo Salazar (extraordinario artista que expuso en Enlace hace un año; como curiosidad estoy incluyendo una de sus pinturas en este post), me dio mucho gusto verlo (no habíamos coincidido en ninguna muestra desde hacía meses).
my drawing / mi dibujo

Finalmente, me quedé comentando la nueva temporada de The Walking Dead con mi amigo, el artista Renzo Núñez Melgar Vega, y él me relató los últimos éxitos de la Galería Enlace. Al ser artista de la galería, ‘Reve’ se enteró que hacía poco habían vendido un cuadro de Carlos Cruz Diez a 495,000 dólares. Pensar que un ciudadano limeño (quien por cierto también le había comprado antes un cuadro a mi amigo, aunque por una mínima fracción de la suma mencionada) ha podido gastar esa suma exorbitante en un solo cuadro me dio un poco de dolor de cabeza. El mercado del arte en Lima sin duda está ahora más movido de lo que estaba hace dos décadas, pero aún así, teniendo en cuenta que las obras de Szyszlo, el principal pintor peruano, fluctúan entre 80,000 y 96,000 dólares (y estoy usando como referencia los precios de la misma galería Enlace que tiene un pequeño stock de cuadros de Szyszlo) sigo sin entender cómo alguien como Cruz Diez se ha cotizado tanto (según me enteré, también vendió otros tres o cuatro cuadros ligeramente más caros que los Szyszlo a los que hago referencia). ¿Qué haría la mayoría de la gente con medio millón de dólares? Supongo que comprarse una buena casa, y luego un buen carro, y con lo que les sobre pagar la universidad de sus hijos y punto. En pocas palabras, toda una vida de gastos. Yo, por lo pronto, después de comprarme la casa obviaría el carro y todo lo demás y me dedicaría a adquirir cómics hasta el fin de mis días. ¿Y ustedes?

April 4, 2012

Los días y la pintura - Iván Fernández-Dávila (Museo Pedro de Osma)

Victim (1961)
Directed by Basil Dearden


Dirk Bogarde (famous for his main role in "Death in Venice") is Melville Farr, a most successful lawyer that has gained acceptance in the Chamber of Lords and is about to become a judge. He's wealthy and famous, he lives more than comfortably and he is married to a beautiful woman. Is he the perfect man? Well, he would be for any open-minded individual, but not for those of more traditional upbringing.
Museo Pedro de Osma

Melville Farr defies law, his acts mock morality, and his thoughts are not of a decent nature. He is, after all, a man doomed to survive in a time in which homosexuality was a crime, a time in which exposing his true nature would have meant being imprisoned.

At the beginning of the movie, a young man nicknamed 'Boy' is searching for him. He calls him constantly but the more desperate he gets in trying to reach him, the more Melville Farr eludes him. Farr has spent time with Boy, perhaps too much, and because of this intimacy he fears that he may be heinously extorted. The truth is, however, that Boy is the one being blackmailed by someone who has discovered his homosexual tendencies and has a compromising photography of the young man and the prestigious and well-respected barrister. Set in the early 60s, this film courageously denounces what could be, perhaps, one of the most unfair rules in Britain: the criminalization of homosexuality.

Judith Butler studied postmodernist and poststructuralist theories to define the "subject" relying in linguistic terminology, not unlike what Jacques Lacan attempted while coming up with terms like the symbolic order (the system of signs and conventions that form our perception, our very reality). Compelled "by social sanction and taboo", society learns to discriminate those who oppose the heterosexual norms. As a result, our belief in "natural" behavior is really the result of a mixture of indirect and flagrant coercions. Repudiation towards gays, lesbians or bisexuals becomes necessary for the standard subject to establish "an identification with the normative phantasm of sex".

For Butler gender is a construction that regularly conceals its genesis. And that genesis is not physical but performative; the body becomes its gender only "through a series of acts which are renewed, revised, and consolidated through time" (through a certain performativity that varies in each culture, one might add). Should we critique the assumptions of normative heterosexuality? Certainly those punitive rules (social, familial, and legal) have forced us to conform to hegemonic, heterosexual standards for identity.
my drawing / mi dibujo

It's only fitting then, that the protagonist of "Victim" is a man of law, and through sheer performativity, in this case the kind of performativity that also sustains and nurtures the law, he will face a most difficult dilemma. After Boy's capture, police officers start investigating the origin of the extortion. As a consequence, Melville will no longer be able to ignore this situation, as he would have preferred to do. Why is this a dilemma? He can't confess to the police the fact that he had a relationship with another man, as that is forbidden. But, at the same time, he cannot let the blackmailers get away unpunished.

As he starts investigating who could be responsible of blackmailing Boy, he digs deeper and deeper into London's gay scene. He meets men that sleep with men, people that forever hide in the shadows, and soon he learns that there are many homosexuals paying money to avoid being exposed.

At the end, he must make a final stand. If his decision is to stop the criminals that threaten to destroy so many lives, he must first collaborate with the police and come forward embracing his true sexuality. That, of course, guarantees the end of his brilliant career, all of his professional ambitions will come to a halt should he decide to tell the truth. But at the same time, and this is most notorious, by playing by the rules, he also has the opportunity to perform in front of a jury, and as the nature of law is similar to the conformation of human habits, id est, it's prone to change and alteration, here performativity can also turn into the necessary coup de etat to vanquish a most ruthless law.

"Victim" was a brave production and a most controversial film in a difficult time, tackling an aspect of British law that would compare the simple fact of being gay to an arm robbery, thus condemning homosexuals to be locked behind bars, no matter how peaceful or harmless they could be. Butler's project has been so far to quote the law in order to reiterate and coopt its power, to expose the heterosexual matrix and to displace the effect of its necessity. If Farr decides to confess he's gay to his wife and to the world, he will have one chance, one shot at exposing the heterosexual normativity and undermine it long enough for people to accept that, perhaps, against everything they have been taught, an option different from heterosexuality might not mean the end of the world.

My review on IMDB.
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Conocí a Iván Fernández-Dávila hace varios años, cuando estábamos en estudios generales letras de la PUCP. Me lo presentó mi amigo de toda la vida, Juan Carlos Gibson, y yo en ese entonces andaba bastante desconectado del entorno universitario, así que nunca supe que Iván y yo teníamos mucho en común. Tuvieron que pasar varios años hasta que nos volvimos a encontrar, en alguna galería de arte del circuito limeño. Sin duda, nuestro interés por la pintura y por las propuestas artísticas nos hicieron coincidir en más de una ocasión, pero yo, tan desmemoriado como siempre, o quizá levemente distraído por la cantidad de copas de vino que suelo tomar, no lograba recordar su nombre. Tuvieron que pasar meses hasta que por fin logré ubicar a Iván, y pude finalmente comentarle a Gibson que ahora, una década más tarde, por fin me había conectado con mi entorno, con el arte y con los viejos amigos.

El artista tuvo la amabilidad de autografiarme el catálogo de la muestra


La muestra individual de Iván se titula “Los días y la pintura” y me ha permitido tener una visión más amplia de su obra. De hecho, debo confesar que hasta el día de ayer solamente había visto un cuadro de mi amigo Iván, en la muestra "El diálogo y la guerra sobre el lienzo". Ahora, en cambio, he podido apreciar la gran sensibilidad de Iván y discernir los fundamentos de su propuesta. Con estos cuadros al óleo, el artista comparte con nosotros sus preocupaciones, y en cierto modo sublima sus demonios internos con un estilo fuerte e indeleble. Si bien Iván se ha inspirado en su entorno, en su propio mundo, no por ello sus cuadros dejan de evidenciar momentos reveladores, casi como los lapsus linguae que Sigmund disfrutaba tanto analizando. Así, en cuadros como “Sábado” o “Pintor y Modelo” vemos los pies del artista irrumpiendo en la sugestiva imagen de la mujer desnuda (más que una donna angelicata una mujer real, de carne y hueso), como si la anatomía del artista invadiera un espacio que no le es propio. Y al fin y al cabo, lo cierto es que los cuerpos dejan de tener de propietarios al momento de ser transfigurados en líneas, en trazos, en color. Iván y Elizabeth dejan de ser los amigos que conozco para formar parte del mundo del arte.
Los griegos

Me encantan los trazos fuertes, sentir cómo el óleo ha sido aplicado con fuerza, quizá con fiereza, y al mismo tiempo siento que hay un equilibrio con las pinceladas más tenues, más ligeras. La paleta de colores de Iván tiene predilecciones por los tonos rojizos, y de hecho, su cuadro “El sueño” es uno de los que más impresionó a los que asistieron a la inauguración de la muestra. Allí impera el rojo pero también la sensualidad, la promesa del goce aún en estado soñoliento. Otro cuadro que llamó mucho mi atención fue “Los griegos”, en donde la figura del cuerpo masculino guarda cierta semejanza con las posiciones que podemos ver en las esculturas post-micénicas y helénicas, y sin embargo esta forma de la disposición del cuerpo se adapta, se doblega ante el estilo propio del artista.
El sueño

En el transcurso de la noche me encontré con amigos como Asad López de Castilla y Renzo Núñez Melgar Vega. Hace poco los visité en su taller y he quedado maravillado con los cuadros que están preparando para futuras muestras, además, como ambos son fans acérrimos de The Walking Dead siempre nos quedamos hablando sobre el tema. Conversé brevemente con Julio Garay, Eduardo Deza y José Medina (editor de Art Motiv). También saludé a Saúl Peña Kolenkaustky que seguramente comprará uno de los cuadros de Iván, demostrando una vez más que siempre ha tenido buen ojo para el arte (no en vano la colección de arte que tiene en su casa es realmente extraordinaria).

Juan Carlos Gibson también estuvo presente, por supuesto, como debe ser. Y al final de la muestra, dejamos el museo Pedro de Osma y nos dirigimos a Mochileros, para terminar la noche con algunos tragos más, que nunca están de más. Nos acompañó el multipremiado artista John Chauca, que según Gibson es una buena influencia para mí porque es una de las pocas personas que logra persuadirme para tomar cerveza. Y también Hugo Salazar, uno de mis artistas favoritos. De Chauca ya he comentado un par de muestras aquí y aquí, y también la última de Hugo. Creo que estuvimos conversando por casi tres horas, entre las anécdotas gibsonianas del patio de letras de la PUCP, los chistes de Chauca y las bromas de Iván, el tiempo pasó volando.

La muestra permanecerá abierta al público hasta el 26 de abril en el museo Pedro de Osma (avenida Pedro de Osma 423, Barranco). Les recomiendo que se den una vuelta y la visiten.

Arcadio B.