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November 16, 2020

Flinch # 4

 The cover of the 4th issue of Flinch (September 1999), is actually a photography by Stephen John Phillips, digitally altered by José Villarrubia. In only 4 issues, Flinch had professional illustrators, comic book artists, and also photographers leaving their mark on Vertigo’s horror anthology. Although in general I’m not a fan of photographs being used as covers, I must say I like the way Villarrubia turns the image into something visually appealing. 
Stephen John Phillips & José Villarrubia

“A Gift of Friendship” is a story written, penciled, inked and even lettered by Kent Williams. The only thing that Williams doesn’t take care of is the coloring (which is done by Sherilyn van Valkenburgh). One would expect a very cohesive proposal since the same person is doing pretty much everything. However Williams’s story is unnecessarily confusing and in the end it doesn’t work as a whole.
Kent Williams

Ty Templeton writes, pencils and inks “Fair Trade”, which is a very amusing story about a man who is going to sell his soul to the devil, the only problem is that there is more than one devil, and they all offer him amazing rewards in exchange for his soul. Templeton takes the basic elements of horror and turns them into a fast-paced comedy. I’d say this is one of the few cases in which humor actually fits into a horror anthology. 

My favorite story, by far, is “Playing Dead”, written by veteran horror storyteller Bruce Jones and penciled and inked by Paul Gulacy. This is a black and white story that takes place in the 19th century. A man takes advantage of a demented woman who confuses him with her deceased husband. Gulacy has always been a magnificent artist, but these pages are especially striking. There is a lot of detail but also a unique sense of composition, every panel blends elegantly into the next one, and the page as a whole always stands out.  
Ty Templeton

In many ways, “Playing Dead” is a tale of survival, but it’s also the logical consequence of taking a lie to the extreme. At first the protagonist is content with having sex with this strange woman, and he’s relieved after leaving his past behind and pretending to be someone else. But when he finds the diary of the dead husband the suspense increases. 
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La portada del cuarto número de Flinch (setiembre de 1999), es en realidad una fotografía de Stephen John Phillips, alterada digitalmente por José Villarrubia. En sólo 4 números, Flinch tuvo ilustradores profesionales, artistas de cómics y también fotógrafos que dejaron su huella en esta antología de terror de Vertigo. Aunque en general no soy entusiasta de las fotografías que se utilizan como portadas, debo decir que me gusta la forma en que Villarrubia convierte la imagen en algo visualmente atractivo.
Paul Gulacy












"Un regalo de amistad" es una historia escrita, dibujada a lápiz, entintada e incluso rotulada por Kent Williams. Lo único de lo que Williams no se ocupa es del color (a cargo de Sherilyn van Valkenburgh). Uno esperaría una propuesta bien cohesionada ya que la misma persona hace casi todo. Sin embargo, la historia de Williams es innecesariamente confusa y, al final, no encaja del todo.

Ty Templeton escribe y dibuja “Comercio justo”, una historia muy divertida sobre un hombre que le va a vender su alma al diablo, el único problema es que hay más de un diablo, y todos le ofrecen increíbles recompensas a cambio de su alma. Templeton toma los elementos básicos del terror y los convierte en una comedia trepidante. Diría que este es uno de los pocos casos en los que el humor realmente encaja en una antología de terror.
Paul Gulacy

Mi historia favorita, de lejos, es "Haciéndose el muerto", escrita por el veterano narrador de historias de terror Bruce Jones y dibujada a lápiz y entintada por Paul Gulacy. Esta es una historia a blanco y negro que tiene lugar en el siglo XIX. Un hombre se aprovecha de una mujer demente que lo confunde con su difunto esposo. Gulacy siempre ha sido un artista magnífico, pero estas páginas son especialmente llamativas. Hay muchos detalles pero también un sentido de composición único, cada viñeta se mezcla elegantemente con la siguiente y la página en su conjunto siempre sobresale.
Paul Gulacy

En muchos sentidos, "Haciéndose el muerto" es una historia de supervivencia, pero también es la consecuencia lógica de llevar una mentira al extremo. Al principio, el protagonista se contenta con tener sexo con esta extraña mujer, y se siente aliviado después de dejar atrás su pasado y pretender ser otra persona. Pero cuando encuentra el diario del difunto marido, aumenta el suspenso.

May 18, 2020

Flinch # 1

As I’ve mentioned on multiple occasions, I grew up reading horror anthologies like Creepy, and as much as I miss that sort of publications, I wonder why in general they’ve struggled so much in the American market, at least in the past 4 decades. Certainly, horror as a genre isn’t struggling at all, and in recent years we’ve seen horror comics like The Walking Dead having huge success even beyond the printed medium. The problem, then, doesn’t seem to come from the genre but rather from the presentation, in this case, an anthology.
Phil Hale
In 1999, Vertigo editor Axel Alonso decided to reunite some of the best writers and artists in the comic industry and put them together in a new horror anthology. The result was Flinch, and the first issue came out in June of the same year. The first thing that captures the reader’s attention is the extraordinary cover by Phil Hale, a realistic painted illustration that is as scary and unsettling as the best Creepy covers that I can remember, there is also a deep level of repulsion and a visceral and disturbing feeling that permeates Hale’s art, and one could be reminded of Luis Buñuel’s Un Chien Andalou, if only for the idea of cutting out an eye with a razor blade. 
Jim Lee
I had seen that cover before and I had always wanted to buy the comic and read it. With a cover like that, one would logically expect really horrific and scary stories. However, after reading the first issue, I remembered why is it that, in general, anthologies are hard to sell: no matter how many talented people are involved in the project some of the stories will be better than others and, in the end, the reader might feel that only one story was good and the rest not so good. For some reason that never seems to happen with the British sci-fi anthology 2000 AD, in which all stories in general seem to be equally good. Perhaps British writers have a secret that Americans do not know about, but the truth is that after reading the 3 stories that are part of the first issue, I immediately had one favorite and the other two seemed somewhat lacking.

I’ll go in the order the stories are presented in the comic book. The first one is “Rocket-Man”, written by Richard Bruning and illustrated by Jim Lee. Famous for his 1990 Adam Strange miniseries, Bruning curiously decides to write about another man obsessed with flying with a rocket-backpack. Although the premise of the story seems promising, the execution could’ve been better. At the same time, Jim Lee was experimenting with a very peculiar art style, completely different to the one that turned him into a superstar in the 90s and that solidified his fame in the next decade. So even the biggest Jim Lee fans would agree that this might not be the best example of his work.
Frank Quitely
Jen van Meter writes the next story, “Nice Neighborhood”, and although there are a few interesting ideas, in the end it feels more like the presentation of a larger story that we’ll never get to see. However, the strongest element here is Frank Quitely’s fascinating art. At the time Quitely still wasn’t the mega star he is now, but he was already famous and he had already established a unique style that remains just as impressive then as it is still today. Every page in this story is a magnificent work of art, and Quitely creates some very haunting images.

And at last but not least, “Wolf Girl Eats” by Bruce Jones and Richard Corben is by far my favorite. Frequent collaborators of Creepy, perhaps it isn’t that surprising that this particular creative team was better suited for the unique challenges of an anthology. However, “Wolf Girl Eats” isn’t the typical Creepy story, as it introduces an element that had remained unseen in most horror publications: a homoerotic subtext. The story is well paced, it’s unsettling and scary in its own right, and Corben’s art is as good as ever (no wonder why he was so famous back the in the 80s). 
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Como he mencionado en varias ocasiones, crecí leyendo antologías de terror como Creepy, y aunque extraño ese tipo de publicaciones, me pregunto por qué, en general, han tenido poco éxito en el mercado estadounidense, al menos en las últimas 4 décadas. Ciertamente, el horror como género no tiene ningún problema, y en los últimos años hemos visto cómics de terror como The Walking Dead que tienen un gran éxito incluso más allá del medio impreso. El problema, entonces, no parece provenir del género sino de la presentación, en este caso, una antología.
Frank Quitely
En 1999, el editor de Vertigo, Axel Alonso, decidió reunir a algunos de los mejores escritores y artistas de la industria del cómic y alentarlos a trabajar en una nueva antología de terror. El resultado fue Flinch, y el primer número salió en junio del mismo año. Lo primero que capta la atención del lector es la portada extraordinaria de Phil Hale, una ilustración pintada a mano, realista y tan aterradora e inquietante como las mejores portadas de Creepy que recuerdo, también hay un profundo nivel de repulsión y un sentimiento visceral e inquietante que impregna el arte de Hale, y uno podría recordar Un Chien Andalou de Luis Buñuel, aunque sólo sea por la idea de cortar un ojo con una cuchilla de afeitar.

Había visto esa portada antes y siempre había querido comprar el cómic y leerlo. Con una portada como esa, uno lógicamente esperaría historias realmente horribles y aterradoras. Sin embargo, después de leer el primer número, recordé por qué, en general, las antologías son difíciles de vender: no importa cuántas personas talentosas participen en el proyecto, algunas de las historias serán mejores que otras y, al final, el lector puede sentir que sólo una historia fue buena y el resto no estuvo a la altura. Por alguna razón, eso nunca parece suceder con la antología británica de ciencia ficción 2000 AD, en la que todas las historias en general parecen ser igualmente buenas. Quizás los escritores británicos tienen un secreto que los estadounidenses desconocen, pero la verdad es que después de leer las 3 historias que forman parte del primer número, inmediatamente tuve una favorita y las otras dos se quedaron muy atrás.
Richard Corben
Iré en el orden en que se presentan las historias en el cómic. La primera es "Hombre-Cohete", escrita por Richard Bruning e ilustrada por Jim Lee. Famoso por su miniserie de Adam Strange de 1990, Bruning curiosamente decide escribir sobre otro hombre obsesionado con volar con una mochila-cohete. Aunque la premisa de la historia parece prometedora, la ejecución podría haber sido mejor. Al mismo tiempo, Jim Lee estaba experimentando con un estilo de arte muy peculiar, completamente diferente al que lo convirtió en una superestrella en los 90s y que solidificó su fama en la siguiente década. Entonces, incluso los fanáticos más grandes de Jim Lee estarían de acuerdo en que este podría no ser el mejor ejemplo de su trabajo.
Richard Corben

Jen van Meter escribe la próxima historia, "Buen vecindario", y aunque hay algunas ideas interesantes, al final se siente más como la presentación de una historia más larga que nunca veremos. Sin embargo, el elemento más fuerte aquí es el fascinante arte de Frank Quitely. En ese momento, Quitely todavía no era la mega estrella que es ahora, pero ya era famoso y ya había establecido un estilo único que sigue siendo tan impresionante como lo es hoy. Cada página de esta historia es una magnífica obra de arte, y Quitely crea algunas imágenes muy inquietantes.

Y por último, pero no menos importante, "Wolf Girl Eats" de Bruce Jones y Richard Corben es, sin duda alguna, mi favorita. Colaboradores frecuentes de Creepy, tal vez no sea tan sorprendente que este equipo creativo en particular estuviese más preparado para los desafíos únicos de una antología. Sin embargo, "Wolf Girl Eats" no es la típica historia de Creepy, ya que introduce un elemento que no se había visto en la mayoría de las publicaciones de terror: un subtexto homoerótico. La historia está bien desarrollada, es inquietante y aterradora por derecho propio, y el arte de Corben es tan bueno como siempre (no es de extrañar por qué era tan famoso en los 80s).

May 11, 2015

Video Clip - Tanino Liberatore

There is a strange connection between films and comics, and I’m not the first one to notice it. Nevertheless, whereas the seventh art has feed from the ninth art (let’s just take a look at the success of movies based on Marvel heroes, for instance), comic books have not deliberated on the link that binds them to cinema. At least not consistently.

Perhaps, then, today it is necessary to read works such as Video Clip by Tanino Liberatore. Although at a first glance it would appear to be simply an erotic anthology, full of all sorts of perversions and bloodthirsty ruminations, a second reading will allow us to appreciate the complexity and the nuances of the extraordinary Italian artist.

Liberatore connects two important aspects of the film tradition: firstly, old movies that would set the scenes exactly as in a theater play; and secondly, movies filmed by D.W. Griffith in the first two decades of the 20th century. Griffith discovered that cinema should not obey the theatrical rules. The camera did not have to stay away from the actors, the camera could, in fact, get closer to the faces of the actors, a feat that the theater audience could never achieve from their seats. Sure, now we find that to be obvious, but back then shortening the distance was a revolution. Because being closer, means more intimacy, and more intimacy, means greater dramatic possibilities.

Video Clip includes several short stories in which Liberatore eliminates the distance in regards to his characters. The camera follows them, chases them even, and privacy is entirely exposed. “Real Vision” for example, is a clever game of gazes and, why not, camera angles. A bored teenager with an unusual hairstyle watches TV. This harmless initial sequence does not allow us to guess what will happen next. In a murderous outburst of Oedipal undertones, the unbalanced boy stabs his mother. Immediately the press cameras surround his house and he is now the figure on the TV screen.
impressive art by Liberatore / el impresionante arte de Liberatore

“Confined”, written by horror master Bruce Jones, is perhaps one of my favorites: two horny teenagers unleash their sexual urges in front of the impassive gaze of a paraplegic old man. Is it perhaps an act of cruelty? A provocation? In any case, the reaction of the old man is brutal. “An Englishman in Paris” and “Walk for Lucie” explore violence and sexuality with subtlety, while “Take care of the big emulsions” focuses entirely on photography, and the obsessions of a supermodel who hates being photographed.

Finally, “Video” takes away all inhibitions to show the uncensored activities of a teen boy. The kid is masturbating enthusiastically while watching a porn video (explicitly illustrated by Liberatore), once again, the closeness of the camera is so strong that the reader ends up invading the privacy of the protagonist. Liberatore dazzles us with his visual transitions that somehow replicate what we see in the pornographic video and the activities of the young man.

Best known for his work in the 80s, Liberatore is a legendary artist, with a very polished line, a neat pictorial treatment, and a unique ability to apply textures in both ink and color. Long ago I have expressed my admiration for other Italian masters such as Milo Manara or Eleuteri Serpieri, and I think it was about time to dedicate some words to Tanino Liberatore.
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Una extraña relación une al cine y al cómic, y no sería yo el primero en mencionar los vínculos entre ambos. No obstante, mientras el séptimo arte se ha nutrido generosamente del noveno (basta echar un vistazo a los exitosos estrenos de películas basadas en héroes de Marvel, por ejemplo), el cómic por lo general no ha ahondado demasiado en el nexo que lo une al mundo cinematográfico. Al menos no de manera consecuente.
An act of provocation / un acto de provocación
Quizás, entonces, hoy se hace necesario leer obras como “Video Clip” de Tanino Liberatore. Aunque en una primera lectura muchos podrían señalar que se trata simplemente de una obra erótica, cargada de todo tipo de perversiones y elucubraciones sanguinarias, una segunda relectura nos permitirá apreciar la complejidad de los matices empleados por el extraordinario artista italiano.
"Confined" by Bruce Jones & Liberatore
Liberatore anuda dos vertientes importantes de la tradición fílmica, aparentemente incompatibles entre sí: las películas antiguas, que planteaban las escenas exactamente como si se trataran de obras teatrales; y las películas filmadas por D. W. Griffith en las primeras dos décadas del siglo XX. Griffith descubrió que el cine no debía obedecer las reglas teatrales. La cámara no tenía por qué mantenerse alejada de los actores, la cámara podía, de hecho, acercarse a los rostros de los actores, proeza que el público de teatro jamás podría lograr desde sus butacas. Aunque ahora nos resulta algo obvio, en ese momento el acortamiento de la distancia fue toda una revolución. Porque a mayor cercanía, mayor intimidad, y a mayor intimidad, mayores posibilidades dramáticas.

“Video Clip” reúne diversas historias cortas en las que Liberatore se aproxima al máximo a sus personajes. La cámara los sigue, los persigue incluso, y su intimidad queda enteramente al descubierto. “Real Vision”, por ejemplo, es un ingenioso juego de miradas y, por qué no, de enfoques de cámara. Un adolescente con un peculiar peinado mira aburridamente la televisión. Esta inofensiva secuencia inicial no nos permite adivinar qué es lo que sucederá después. En un arrebato homicida y hasta edípico, el desequilibrado muchacho acuchilla a su madre. Inmediatamente las cámaras de la prensa rodean su casa y él se convierte en la figura que aparece en la pantalla del televisor.
Lonely pleasures / placeres solitarios
“Confinado”, con guión del maestro del terror Bruce Jones, es quizás una de mis favoritas: dos adolescentes cachondos dan rienda suelta a sus impulsos sexuales frente a la mirada impávida de un anciano paralítico. ¿Se trata acaso de un acto de crueldad? ¿Una provocación? Sea como fuere, la reacción del viejo es brutal. “Un inglés en París” y “Paseo para Lucie” exploran la violencia y la sexualidad de manera sutil, mientras que “Cuidaros de las grandes emulsiones” se centra por completo en la fotografía, y en las obsesiones de una supermodelo que odio ser retratada.

Por último, “Video” se despoja de todas las inhibiciones para mostrar con crudeza las actividades un adolescente. El muchacho se masturba vigorosamente mientras ve un video porno (ilustrado de manera sumamente explícita por Liberatore), una vez más, la cercanía de la cámara es tan enérgica que el lector termina invadiendo la privacidad del protagonista. Liberatore se luce con transiciones visuales que replican en cierto modo aquello que vemos en el video pornográfico y las actividades del jovencito.
And we all know how the story ends... / y ya sabemos cómo termina la historia...
Famoso sobre todo por sus trabajos en la década del 80, Liberatore es un artista de primer nivel, con una línea muy pulida, un tratamiento pictórico prolijo, y una capacidad única para dominar las texturas, tanto en las tintas como en el color. Ya antes he expresado mi admiración por otros maestros italianos como Milo Manara o Eleuteri Serpieri, y creo que ya era momento de dedicarle algunas líneas a Tanino Liberatore.

June 20, 2012

Spider-Man Hooky - Susan K. Putney & Bernie Wrightson

When I saw April’s solicitations I couldn’t resist the temptation. Marvel was reediting the classic Spider-Man Hooky (originally published as Marvel Graphic Novel # 22 in 1986). The creative team was more than persuasive: Susan K. Putney, Bernie Wrightson and Michelle Wrightson.

I’ve been a fan of Bernie Wrightson’s art since I was a wee lad. I remember reading Creepy about 17 or 18 years ago, and becoming absolutely enthralled by Freakshow, an unforgettable horror tale about an alcoholic man with dangerous inner demons and a troupe of deformed people that traveled from town to town in search of a few coins. Bruce Jones was the writer, and Wrightson the artist. And together they were the ultimate creative team for horror stories.

As IDW editors keep reminding us, the exquisitely detailed brush work of one of the greatest living artists in comics today has earned the universal acclaim and reverence that Bernie Wrightson deserves. We could choose just one page and feel ecstatic with his lines, his beautifully rendered shadows, the volume and depth of his bodies. Wrightson is no ordinary penciler, he’s one of the greatest illustrators to ever grace the comic book world.


He hasn’t worked much for Marvel, which is why Hooky is quite a jewel. Having him drawing Spider-Man is like a dream come true. I’ve been waiting to read this story for years, but due to the original version’s unavailability I hadn’t been able to do so.

I read the sixty pages in an hour or so, paying attention to every detail, trying to imagine how he would have inked this or that panel, or why his wife decided to use certain tones in the coloring. There are some truly breathtaking panels, and some unforgettable double page spreads. And overall, Will Eisner’s influence is made evident by the flawless storytelling of the artist. Writer Susan Putney somehow manages to balance the fantasy elements of her script grounding the beginning of the story in New York. Watching Spider-Man using a telephone booth while a homeless guy is sleeping in it was priceless.

The rest of the story, at times, feels quite different from what you would normally read in the arachnid’s main titles, it’s almost as the tagline of the now disappeared Elseworlds line from DC: "In Elseworlds, heroes are taken from their usual settings and put into strange times and places -some that have existed, and others that can't, couldn't or shouldn't exist. The result is stories that make characters who are as familiar as yesterday seem as fresh as tomorrow". But despite Susan’s outlandish tale of fantasy and magic, this still feels like a Spidey story. And if you think it doesn’t, you still can’t help but to love it thanks to the absolutely amazing art.
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Cuando vi las solicitaciones de abril, no pude resistir la tentación. Marvel estaba reeditando el clásico "Spider-Man Hooky" (originalmente publicado en el # 2 de la colección Novelas Gráficas de Marvel en 1986). El equipo creativo era más que persuasivo: Susan K. Putney, Bernie Wrightson y Michelle Wrightson.

He sido fan del arte de Bernie Wrightson desde que era un niño pequeño. Recuerdo haber leído "Creepy" hace 17 o 18 años, y sentirme totalmente fascinado por "Freakshow", una inolvidable historia de terror sobre un alcohólico con peligrosos demonios internos y una caterva de personas deformes que viajaban de pueblo en pueblo en busca de algunas monedas. Bruce Jones era el escritor, y Wrightson el artista. Y juntos eran el equipo creativo definitivo para historias terroríficas.

Tal como los editores de IDW nos recuerdan, el trabajo de pincel exquisitamente detallado de uno de los más grandes artistas vivos del cómic ha merecido reverencias y la aclamación universal. Podríamos elegir una sola página y sentirnos extasiados con sus líneas, con sus sombras bellamente retratadas, con el volumen y la profundidad de sus cuerpos. Wrightson no es un dibujante ordinario, es uno de los más grandes ilustradores del mundo del cómic.

Él no ha trabajo mucho para Marvel, y por eso Hooky es una joya oculta. Verlo dibujando a Spider-Man es como un sueño hecho realidad. He esperado años para leer esta historia, pero como la edición original no estaba disponible hasta ahora no había podido leer nada.

Leí las sesenta páginas en una hora más o menos, prestando atención a cada detalle, tratando de imaginar cómo había entintado tal o cual viñeta, o por qué su esposa decidió usar ciertos tonos para los colores. Hay algunos paneles que nos dejan sin aliento, y algunas inolvidables páginas dobles. Y por encima de todo, la influencia de Will Eisner se hace evidente gracias a la narrativa impecable del artista. La escritora Susan Putney equilibra los elementos fantásticos de su guión con la realidad del día a día en New York. Ver a Spider-Man usando una cabina telefónica en la que un mendigo se ha quedado dormido no tiene precio.

El resto de la historia, a veces, se siente un poco diferente de lo que uno esperaría de la colección del arácnido, es casi como el lema de la desaparecida línea Otros Mundos de DC: "En Otros Mundos, los héroes son extraídos de sus entornos habituales y colocados en extraños lugares y épocas -algunos han existido, y otros no podrían, o no deberían existir. El resultado son historias que hacen que personajes tan familiares como el ayer parezcan tan frescos como el mañana". Pero a pesar de la extravagante historia de magia y fantasía de Susan, la narración funciona. Y si creen que no es así, es imposible no enamorarse de un arte tan asombroso.